Advertencia: este artículo contiene algunas teorías serias.
Ah, sí, la temible palabra con «T». La pesadilla de muchos músicos. Sólo queremos hacer música, meternos en el estudio y trabajar en nuestra próxima obra maestra sin tener que preocuparnos de conceptos como bandas de frecuencia, cambios de tonalidad o velocidad de bits.
Pero a menos que queramos pagar para que otros hagan el trabajo por nosotros -lo cual, debo decir, no es necesariamente una mala estrategia-, son puentes que simplemente tenemos que cruzar. Quemarlos sería satisfactorio, pero en última instancia incapacitante en tu camino para convertirte en el próximo *inserte aquí compositor influyente*.
Aunque la DAW y tus instrumentos siempre serán la base sobre la que construyas tu estudio musical, los efectos de audio -ya sean nativos del software de tu estación de trabajo o plugins de terceros- pueden ser una navaja suiza para conseguir sonidos y manipulaciones de audio inalcanzables de otro modo, si se utilizan con responsabilidad.
Si conoces algunos de los principales efectos de audio, sus finalidades y usos potenciales, tendrás una mejor plataforma de lanzamiento desde la que poner en marcha tus producciones de home studio.
Tanto si simplemente quieres aprender a mezclar tu propia música, como si quieres sumergirte en el vasto mundo de los VST para mejorar tu conjunto de herramientas de estudio o estás puramente interesado en la teoría que hay detrás… ¡seguro que no! – Espero sinceramente que este artículo le ponga en el buen camino para alcanzar sus objetivos.
No soy ingeniero profesional y no pretendo que este artículo te lleve de novato a maestro de la producción, pero espero que te ofrezca una visión general fácil de entender de los efectos de audio más utilizados.
Con este conocimiento, puedes empezar a aplicarlo a tus propias creaciones, aprendiendo haciendo y aplicando, y poco a poco convertirte en un ingeniero de audio bastante competente, cómodo con el uso de la mayoría de los efectos de audio genéricos en sus pistas.
Por supuesto, para un tutorial de mezclas más profundo, hay literalmente cientos de libros sobre el tema que darán el pistoletazo de salida a tu campaña en el estudio musical, atacando el «problema» (es decir, cómo hacer que suene una canción) desde muchos ángulos.
Se han escrito libros enteros sobre efectos de audio individuales, de los que sólo hablaré unos cientos de palabras a continuación, así que si desea recursos adicionales a los que le proporciono, por favor, hágalo.
No me pondré celoso.
Los 5 grandes
En general, hay 5 efectos de audio principales que aparecen en casi todas las canciones que se graban o se reproducen. Incluso más allá del mundo de las mezclas, cuando estás trasteando con pedales de guitarra, o incluso con tu sistema de alta fidelidad, es probable que al menos algunos de los 5 grandes efectos estén implicados de una forma u otra.
Debido a su importancia, es vital que tengamos un conocimiento básico de sus funciones antes de embarcarnos en cualquier tipo de aventura de estudio en casa, incluso si queremos ceñirnos a los efectos VST/audio clásicos en el futuro.
Los 5 grandes son :
- Ecualización
- Compresión
- Reverberación
- Plazo
- Saturación
Serán el centro de la clase de hoy, así que siéntate, presta atención y prepárate para tomar notas. Si tienes suerte -y te portas bien- después de la clase, puede que mencione otros divertidos efectos de audio que pueden sorprender en tus producciones.
Bien, ¿listos?
Vámonos.
Ecualizadores
¿De qué se trata?
Los ecualizadores (más conocidos como EQ) son una de las formas más comunes de procesamiento de audio y probablemente la única de las 5 que los consumidores habrán utilizado sin haber desarrollado nunca una canción.
Puedes encontrar ecualizadores en tu teléfono, a menudo con varios preajustes, en tu equipo de música, en Spotify, en un pedal de guitarra e incluso en tu coche.
Más allá de estos usos domésticos, los ecualizadores se encuentran en amplificadores y altavoces, utilizados en salas de producción de radio y televisión y en teatros.
Los principales tipos de ecualizador son: gráfico y paramétrico. Hay algunos más, pero a nivel funcional básico todos hacen lo mismo: ajustar el volumen (señal eléctrica) de una «banda de frecuencia» específica, cambiando así el sonido global.
Puede utilizarse simplemente para hacer más agradable un sonido, por ejemplo subiendo los graves del coche cuando suena una canción, o para eliminar frecuencias (sonidos) no deseadas, como ronquidos o chirridos eléctricos.
La mayoría de los ecualizadores que encontrarás en tu viaje básico de mezcla y creación musical también incluirán un valor Q, que determina la anchura de la banda de frecuencia modificada.
Por ejemplo, digamos que estás reduciendo el volumen de los graves en una pista que estás haciendo. Un valor Q bajo indica una banda ancha, lo que significa que sus cortes de balance de graves podrían oscilar entre 100 y 400hz.
Sin embargo, si utilizas un valor Q mucho más alto, es posible que el cambio de volumen sólo se aplique a un rango de 250 a 270 Hz.
Cada método de manipulación de la señal de audio se denomina «filtro», y existen muchos métodos diferentes. A medida que avances en tu carrera como gran músico, aprenderás mucho, pero por ahora lo mantendré sencillo y daré una visión general de los métodos de filtrado más comunes y accesibles.
Probablemente los más sencillos de entender, los filtros de paso alto y paso bajo (HPF y LPF respectivamente) eliminan por completo cualquier sonido por debajo o por encima de una determinada frecuencia.
Por ejemplo, si ajustas un filtro de paso alto a 200 Hz -aunque el rango de frecuencias específico depende del Q que estés utilizando- eliminarás todos los sonidos a partir de unos 100 Hz e inferiores. Por supuesto, lo contrario se aplica a un filtro de paso bajo.
Filtro paso alto
Estos filtros son esenciales para casi todos los trabajos de audio y permiten incluso al ingeniero de sonido más novato marcar una diferencia cuantificable a la hora de limpiar sus grabaciones.
Los filtros pasa-altos también se denominan a veces filtros pasa-bajos y los filtros pasa-bajos suelen llamarse filtros pasa-altos.
Los filtros de paso alto funcionan de la misma manera que los filtros de paso alto, en el sentido de que trabajan en términos de una frecuencia por encima o por debajo de una frecuencia, en contraposición a un rango. La mayoría de las veces, cuando se gira el mando de agudos de un producto de consumo, se está manipulando un filtro shelving.
Filtro de agudos (aumento de 6 dB)
Los filtros limitadores reducen la señal por debajo o por encima de una frecuencia determinada, pero, a diferencia de los filtros de paso bajo, no eliminan por completo el sonido y pueden utilizarse para enfatizar (o amplificar) la señal.
Esto permite un efecto más específico sobre la tonalidad de una pista o canción, a diferencia de los filtros maestros que están diseñados más para «limpiar» una mezcla que para alterar las cualidades de audio.
Los filtros de campana se llaman así porque parecen una campana. Funcionan del mismo modo que los filtros shelving, es decir, amplifican o cortan la señal en función de una frecuencia predeterminada.
Sin embargo, en lugar de estar por encima o por debajo de un punto concreto del espectro, operan en un rango.
Para explicarlo mejor: Si ajusta un filtro de baja frecuencia a 500 Hz, el rango de frecuencias afectado por el corte o el aumento será de 0-500 Hz. Por otro lado, un filtro de timbre ajustado a 500hz podría alterar las cualidades sónicas de la gama de frecuencias de 400-600hz.
Esto permite realizar modificaciones muy específicas y a pequeña escala en el audio, sobre las que hablaré un poco más adelante.
Es una extraña combinación del hijo del filtro de campana y los hermanos del filtro de paso. Un filtro notch es muy similar a un filtro de timbre -afecta a un pequeño rango de frecuencias en lugar de a todo lo que está por encima o por debajo de un determinado punto-, pero «puentea» completamente la banda de sonido a la que se aplica.
En términos sencillos, si ajustas un filtro notch a 2500 Hz, esto significa que -de nuevo dependiendo del valor Q- todos los sonidos entre 2475 y 2525 Hz serán simplemente eliminados de la señal de audio.
Los ecualizadores paramétricos implican algunas otras funciones, que no voy a detallar demasiado por miedo a ser absorbido por el interminable vacío (¡esté atento a otras referencias relacionadas con el vacío a lo largo de esta serie!) de las complejidades de la ingeniería de audio
De acuerdo. Es suficiente. Pasemos a la siguiente sección, donde te daré una idea de lo que puedes hacer con la potencia que ofrece un simple objeto gráfico en tu pantalla.
¿Cómo y cuándo debo utilizarlo?
Debo admitir -como irónicamente intento educar a mis fieles lectores a través de las escrituras- que aprender y utilizar la Inteligencia Emocional se hace mejor visualmente (a través de imágenes) y sonoramente que a través de la palabra escrita.
Esperando que las imágenes incluidas ofrezcan cierta perspectiva, no me extrañaría que algunos recién llegados a EQ se sintieran confusos por la sección anterior.
No se preocupe, el QE es mucho más que saber lo que hace. De hecho, que te digan específicamente qué hacer con una mezcla es una mentalidad tóxica para empezar. La mejor manera de hacer cualquier cosa es (esto no te chocará, y de hecho puede empeorarte…) hacerlo por ti mismo.
Hay muchos : Alguien en YouTube dijo que si ecualizabas las voces con un filtro a 5 kHz y un ligero realce a 450 kHz, tu canción estaría lista para la radio. Pero cuando lo hice con mi nueva canción, ¡sonaba aún peor!
Esto se debe a que no existe un único conjunto de reglas, ni un único conjunto de directrices para nivelar con éxito una pista. Hay que hacerlo basándose en el tacto y la experiencia, y la única forma de adquirir experiencia es tener la que se necesita. Como preguntó Jimi Hendrix, «¿Tienes experiencia?
Juega con él. Elige una canción al azar. Arrastra y suelta varios puntos de ecualización. Observa cómo cada pequeño cambio que haces manipula el audio, alterándolo de formas que pueden ser completamente imperceptibles o totalmente revolucionarias.
Dicho esto, hay varios métodos de ecualización que suelen utilizarse para mejorar la mezcla de una canción. Comentaré brevemente algunas de estas técnicas antes de pasar al efecto de audio número 2 de 5.
Escaneado

Utilizado para encontrar sonidos francamente repugnantes, como resonancias de habitaciones o ecos malévolos, el barrido consiste en tomar un filtro de timbre, aumentarlo en una cantidad absurda (a menudo 15 dB o más) y luego barrer (lo sé, ¿verdad?) a través del espectro de frecuencias, observando los sonidos particularmente ofensivos.
Cómo definir lo que es particularmente ofensivo es en realidad un punto de controversia para este método y es uno de sus principales inconvenientes, pero a un nivel básico puede ser eficaz para los principiantes en Inteligencia Emocional.
Una vez hecho esto, vuelve a cada gama de frecuencias que hayas anotado y añade un filtro de hendidura.
Igualación de espejos

También conocido como notching, es un método de ecualización orientado a proyectos musicales «grandes» con varias pistas y capas diferentes con calidades de sonido superpuestas.
Cuando se mezcla una pista que suena turbia, o una canción en la que los instrumentos simplemente desaparecen en el caos, el mirroring es un método popular para añadir espacio a la mezcla.
Esto se consigue amplificando una señal de frecuencia concreta en una pista y cortando exactamente la misma banda de frecuencia en otra, creando así un espacio en el espectro auditivo para que los sonidos coexistan pacíficamente.
Filtrado de pasajes
Como hemos visto antes, el filtrado de paso es una parte esencial de cualquier ejercicio de mezcla y uno de los pocos consejos que hay que seguir. Debes hacerlo en todo.
De hecho, debe cortar por debajo del punto en el que el sonido real entra en la grabación, reservando el filtro para la eliminación de zumbidos y murmullos.
Por supuesto, la experiencia entra en juego a la hora de decidir dónde cortar, y la mejor forma de responder a esa pregunta es escuchando la canción/audio y no por lo que haya dicho un desconocido en Reddit.
Otros usos
Lo anterior es sólo la punta del iceberg cuando se trata de utilizar el ecualizador en tu trabajo de estudio en casa.
Puede utilizarse de forma creativa, reproduciendo un sonido tipo altavoz/radio, o emplearse para manipular la posición de determinadas pistas en un campo sonoro. Puedes hacer que las voces suenen tensas y brillantes, o que los teclados suenen retumbantes y enormes.
Lo que hagas con el ecualizador depende de ti, pero las opciones son casi ilimitadas. Ningún otro efecto es tan vital para el sonido de una canción completa.
Puedes utilizar filtros de paso alto para crear secciones de sonido lo-fi para añadir «acumulación» o un cambio en el sonido sin cambiar significativamente el volumen.
Compresión
¿De qué se trata?
¿Alguna vez has escuchado una canción suave y acústica en Spotify mientras conducías, has subido el volumen para poder moverte mejor y te has estrellado unos segundos después cuando la siguiente canción de la cola se ha anunciado a un volumen ridículo por el altavoz? Bueno, lo hice.
Un compresor existe para evitar que se produzca este escenario, pero normalmente en el vacío (¡lo he vuelto a hacer!) de una canción individual, o incluso de una grabación individual.
Al igual que la EQ, la compresión tiene una funcionalidad importante más allá de tu próximo proyecto de hip-hop en Ableton Live. Es un componente esencial en muchos campos relacionados con el audio, como la radio, el cine y las actuaciones en directo.

El propósito principal de un compresor es reducir el rango dinámico del audio, permitiendo una experiencia de escucha suave y consistente.
En términos generales, existen dos tipos principales de compresión, aunque hay subcategorías independientes dentro de estas categorías que tienen sus propios usos populares.
La compresión descendente tiene por objeto reducir/controlar los sonidos por encima de un nivel umbral definido reduciendo su volumen, sin afectar a la intensidad de la señal de los sonidos por debajo del umbral. Es el tipo de compresión más común.
Como es de esperar, la compresión ascendente funciona de forma opuesta a la compresión descendente, enfatizando los sonidos que existen por debajo de un umbral de volumen específico y dejando intactos los sonidos más altos.
Los limitadores funcionan según el mismo principio, pero se utilizan más a menudo en la masterización o en mezclas enteras que en grabaciones individuales, para controlar el volumen del audio de modo que sea adecuado para su difusión.
Expansores (que aumentan el rango dinámico del audio), puertas de ruido (que eliminan el sonido por debajo de un determinado umbral de decibelios) y DeEssers (diseñados para bloquear o atenuar la frecuencia áspera que producen los cantantes cuando emiten silbidos).
¿Cómo y cuándo debo utilizarlo?
Mientras que las propiedades técnicas -por no hablar de la complejidad general- de los ecualizadores pueden tratarse con bastante brevedad, los compresores tienen una serie de funciones y controles específicos que sería tedioso para mí expresar e igualmente tedioso para ti leer en este caso.
Si quieres saber más, te recomiendo que leas un artículo, un capítulo de un libro o veas un vídeo sobre compresión, ya que es un tema muy amplio y lleva tiempo dominarlo.
Los parámetros ajustables más comunes para la compresión son: umbral, ratio, ganancia/boost, ataque, release, knee, pico o RMS y look-ahead.
Para necesidades extremadamente básicas, las únicas tres cosas que necesitas saber son el umbral, la relación y la ganancia.
El umbral afecta al «límite» que la señal de audio no puede sobrepasar o sobrepasar, la relación afecta a la cantidad de señal por encima o por debajo del umbral y la ganancia se ajusta para devolver el volumen general de la pista a su lugar original, ya que los compresores suelen aumentar o disminuir el volumen de toda la grabación.

Cuándo utilizar un compresor
Al mezclar tu canción (o la de cualquier otro artista), los compresores son casi siempre útiles. Demasiado rango dinámico crea una experiencia de escucha desagradable, y la compresión es esencial para que tu canción encaje bien en una mezcla.
De hecho, muchos ingenieros dan prioridad a la compresión de la pista antes de tomar medidas básicas de ecualización.
Dicho esto, debes tener mucho cuidado de no sobrecomprimir tu pista a menos que sea una decisión artística (sobrecomprimir la batería es una elección creativa común, por ejemplo la intro de Live Forever de Oasis). El uso excesivo de este efecto puede dar lugar a un sonido estrecho y encajonado que suene excesivamente procesado y poco musical.
No conviene tener demasiado rango dinámico, pero tampoco demasiado poco. Se puede perder la chispa, la musicalidad y la brillantez de algunas interpretaciones si se es demasiado liberal en el uso de la compresión.
La forma de evitarlo viene, por supuesto, con la experiencia (¡oh, no te hagas el sorprendido!), pero sigue habiendo cierta lógica que incluso un novato puede anticipar y ejecutar.
Tiene sentido que una canción pop o electrónica, con más interpretaciones virtuales y un deseo de ser más fuerte, requiera mucha más compresión que una balada indie folk.
El mismo concepto se aplica a los distintos instrumentos: las guitarras eléctricas sobreexcitadas o las baterías de heavy metal son más grandes y tienen un rango dinámico mucho menor que los dedos de una guitarra acústica o una viola solista. La guitarra y la batería probablemente soportarían mucha más compresión antes de perder su magia que la acústica o la viola.
Al igual que los ecualizadores, los compresores tienen la injusta reputación de ser funcionalmente importantes pero no artísticamente, cuando en realidad es todo lo contrario.
Hay todo tipo de ideas musicales locas que se pueden llevar a cabo con un compresor: sólo hace falta tener el don de intentarlo.
Reverberación
¿De qué se trata?
La reverberación es básicamente un espejo del sonido.
El sonido se propaga desde una fuente de una forma extraña (pero quizá no tan extraña si eres estudiante de física), ya que se propaga hacia el exterior en todas direcciones, no sólo en la dirección a la que se dirige. Así, cuando las ondas sonoras chocan contra un objeto sólido, rebotan en él y provocan un reflejo o eco.
Este efecto suele ser invisible para el oído en salas pequeñas, ya que las ondas sonoras viajan tan juntas que son relativamente imperceptibles. Dicho esto, la reverberación se amplifica en espacios grandes, como catedrales o estudios.
Estoy seguro de que alguno de ustedes ha pasado muchas horas cantando ópera en uno de estos ambientes y el eco ha convertido su terrible interpretación vocal en algo que podría confundirse con la de un virtuoso.
Este efecto solía reproducirse colocando un micrófono en una gran cámara de grabación.
Desde entonces, la reverberación se ha convertido en el santo grial de los efectos virtuales, con miles de emulaciones digitales de casi todos los entornos de grabación imaginables disponibles para su sencilla (aunque a menudo cara) descarga en su estación de grabación digital.
¿Quieres reproducir la Abbey Road donde los Beatles grabaron, bueno, Abbey Road? Puedes hacerlo. ¿Quieres sonar como si tus voces se hubieran grabado en Notre Dame? Esa opción está a su disposición.
El procesamiento de reverberación también está disponible como unidades de hardware, normalmente contenidas en unidades como amplificadores de guitarra, sistemas de sonido, pedales de efectos y equipos analógicos.
Existen 4 tipos principales de reverberación.
- Reverberación de la cámara
- Reverberación de placas
- Reverberación de muelles
- Reverberación digital
La forma original de reverberación, como se ha explicado anteriormente – reverberación de cámara – se basa en la colocación del micrófono en un espacio acústico.
La reverberación de placas comenzó a popularizarse en la década de 1960, cuando su flexibilidad usurpó la de las reverberaciones «orgánicas» grabadas en cámara de eco.
Para que la reverberación de placas funcionara, había que crear todo un dispositivo, sobre todo teniendo en cuenta que ahora se puede emular fácilmente en un diminuto chip de un ordenador.
Como su nombre indica, una placa de acero real se mantenía unida por cuerdas tensas, lo que permitía que las vibraciones de un sonido emitido por un transductor se reflejaran en la tensión del metal.
A pesar de ser un dispositivo aparentemente complejo y engorroso, la llegada de la reverberación de placas dio lugar a nuevas y emocionantes exploraciones artísticas por parte de grupos tan seminales como Pink Floyd y los Beatles. Sí, probablemente haya oído hablar de ellos.
Las reverbs de muelle funcionan de forma similar a las reverbs de placas, pero son más pequeñas y baratas de producir.
Al igual que una placa, una reverberación metálica y resplandeciente se simula transmitiendo el sonido desde un transductor a una superficie metálica, pero utiliza un muelle, una bobina enrollada en lugar de una lámina plana.
Debido a su portabilidad y a su coste relativamente bajo, las reverbs de muelles se utilizan con frecuencia en amplificadores de guitarra y pedales de efectos.
Las reverberaciones digitales implican una serie de procesos electrónicos para emular los métodos de reverberación enumerados anteriormente. Al no ser un entusiasta de la física ni de la electrónica, no puedo explicar realmente cómo los circuitos digitales producen una forma versátil de eco que se utiliza en la mayoría de las aplicaciones actuales de reverberación musical.
Es un poco como un televisor: no sé cómo se enciende, pero se enciende, y eso me basta.
En general, este tipo de reverb es con diferencia el más versátil, ya que es capaz de emular diferentes duraciones, tamaños de sala, retardos, respuestas en frecuencia, etc.
Cualquier VST que utilices en tu DAW será técnicamente una reverb digital, pero muchas de las reverbs más populares son reproducciones de equipos clásicos de placas, muelles o cámaras.
Plugin de reverberación de placas Abbey Road

Al igual que en la sección anterior sobre compresión, los VST de reverberación tienen demasiadas características únicas y complejas como para que podamos detallarlas todas, pero simplemente jugar con ellos es un pasatiempo enormemente entretenido y una gran manera de aprender sobre la marcha.
Cambia todos los mandos y observa cómo afecta cada decisión al sonido de origen: es una forma mucho mejor de adquirir conocimientos sobre mezclas que leer sin pensar lo que te dice un tipo en Internet.
¿Cómo y cuándo debo utilizarlo?
Lo interesante de la reverberación es que su uso se asocia a menudo con la experimentación y la aventura artística, lo que difiere bastante de la compresión y la ecualización, que se consideran principalmente funcionales. Esto es totalmente erróneo.
Esta percepción existe simplemente porque la reverberación es una herramienta más común para crear sonidos únicos, no porque permita un mayor nivel de creatividad musical.
Géneros como el post-rock, el shoegaze, el dream pop y el ambient giran en torno al uso extensivo de efectos de reverberación, que alimentan este pensamiento.
La realidad es que la reverberación es una herramienta funcional esencial para cualquier mezcla. Cuando grabas en un entorno «seco», es decir, con el micrófono colocado de forma que sólo capte tu interpretación vocal/acústica, el sonido resultante es, bueno, simplemente raro. Carece de vida y es aburrida, y la única forma de aportar naturalidad a la grabación es añadir, irónicamente, reverberación artificial.
Además, la reverberación es un elemento indispensable a la hora de espaciar una pista. Una combinación bien afinada de ecualizador y reverberación puede crear la ilusión de espacio, enviando algunos de los elementos secundarios de una canción a la parte posterior del espectro auditivo, al tiempo que hace que las pistas principales pasen a primer plano.
Es esencial para dar a tus grabaciones un sonido natural, pero también para que tus mezclas sean más profundas, gruesas y equilibradas. Por no hablar, claro está, de sus múltiples usos creativos.
Es importante no abusar de los VST de reverberación en su música, a menos que pretenda crear un determinado ambiente o sonido. Demasiado eco puede provocar confusión en el espectro auditivo del oyente, ya que los elementos de las pistas individuales diseñados para destacar se mezclan, desdibujando la canción, convirtiéndola en un gran vacío sonoro.
SE SUTIL.
Entonces, ¿te preguntas cómo evitar crear esa superposición de eco y fuzz en mis canciones, sin que mis grabaciones acústicas suenen secas y poco naturales?
Entra.
Plazo
¿De qué se trata?
El retraso es más o menos lo que parece (curioso, ¿verdad?). Similar a la reverberación, el efecto de retardo gira en torno a un eco de parte del audio, que puede repetirse continuamente, decaer y dejar cierto tiempo entre cada retorno de la señal.
El retardo difiere de la reverberación en que ésta está diseñada como una reproducción natural de las ondas sonoras que rebotan continuamente en las superficies, creando un sonido más rico y denso.
Por el contrario, un retardo es una réplica no natural de una fuente sonora que resuena UNA VEZ y luego se detiene. Por eso, un eco de retardo básico suena casi exactamente igual que su fuente de audio, mientras que un eco de reverberación suena más como un paisaje sonoro mezclado que como una fuente individual.

El retardo de cinta es una de las primeras formas de retardo fácilmente reproducible utilizadas por los músicos. Su uso común comenzó en la década de 1950, aunque antes ya existían otras formas. Este método de retardo funciona enviando la señal de audio real (que se está grabando) a otra grabadora.
El retardo entre la recepción de la fuente de audio inicial y su reproducción en el cabezal de la segunda cinta creaba un eco que se convirtió en un efecto muy popular entre los músicos.
Los delays de estado sólido aparecieron brevemente en el mercado profesional en los años 70 como alternativa a los delays de cinta, pero rápidamente fueron usurpados por la fuerza dominante en el eco actual: el delay digital.
Plugin Galaxy Tape Echo

El retardo digital funciona de forma muy parecida a la reverberación digital, en el sentido de que procesa una señal a través de una variedad de medios, digamos electrónicos, que permiten una versatilidad, portabilidad y funcionalidad extremas.
Este método de crear un eco se ha trasladado, por supuesto, al software informático con el nacimiento y la hostil conquista de los DAW como medio predominante para la producción musical, lo que ha dado lugar a la miríada de VST de retardo de que disponemos hoy en día en el mercado.
¿Cómo y cuándo debo utilizarlo?
Como he dicho casi exactamente lo mismo para cada elemento VST en particular, no te sorprenderá lo que he dicho:
El retardo tiene una gama de funciones mucho más amplia que la de ser simplemente un retardo.
Cuando piensas en el retardo, seguro que se te viene a la cabeza una de tus canciones favoritas, cuando la última estrofa de un cantante se repite exactamente 1/4 de tiempo después de que haya terminado de cantar, o como parte de la introducción de una canción de metal con guitarras (basta con escuchar una canción de U2 para comprobarlo).
El retardo se puede utilizar para conseguir una serie de efectos interesantes, tanto creativos como para ayudar a que una mezcla se mantenga unida. Desde el punto de vista de la experimentación artística, el retardo puede funcionar un poco como una reverberación, con cierta claridad cuando se utiliza como looper.
Más de un guitarrista indie se ha sentado fuera del barrio «de moda» del que procede, tocando un acorde de Do mayor que parece injustamente mágico debido a la presencia de un looper.
El retardo tiene la capacidad de cambiar por completo el tono y la estructura temporal de una pista individual o incluso de una canción entera, de enviar la entrada de audio en sentido inverso y de añadir filtros como modulación de fase o ecualización al eco.
Sin embargo, apuesto a que ahora te estás preguntando: «Nos prometiste una respuesta a la pregunta de cómo evitar usar demasiada reverberación, pero ¿dónde está?».
Sí, unos cientos de palabras y la explicación más sencilla que resultó ser relativamente complicada por el retraso y todavía no he cumplido esa promesa. Bueno, ya puedes ir conteniendo la respiración, porque aquí está:
Retraso.
Eso es todo. La respuesta es correcta: Retraso.
Utiliza el retardo en su lugar. Evita la confusión, el exceso y el enmascaramiento involuntario de la claridad musical, al tiempo que permite que las pistas individuales conserven una calidad natural.
Esto puede conseguirse -y a menudo se consigue en la música pop y rock- utilizando un retardo «slapback», que es un eco con una sola repetición que suele producirse muy poco después del material de origen, dando la impresión de una reverberación sin barro.
Hay varios tutoriales en YouTube sobre cómo aplicar correctamente los retardos slapback en tus mezclas, pero utilizar el retardo en lugar de la reverberación es uno de los (muy pocos) consejos que estoy dispuesto a dar que se aplica a la mayoría de tu trabajo creativo.
Saturación (Distorsión)
¿De qué se trata?
Aunque la saturación se utilizaba -aunque a menudo de forma orgánica- antes que los métodos de producción musical contemporáneos, los VST de saturación son la respuesta del ingeniero moderno a la digitalización del material.
Es un intento de reproducir las agradables cualidades sonoras de los métodos analógicos originales de grabación y procesamiento de música -en la edad oscura-, dotando de una calidad tonal más potente y satisfactoria a las producciones digitales que requieren poco equipo físico.
Cuando los sonidos, ya sea una mezcla entera o una pista individual, se hacen girar y se sobreexcitan deliberadamente utilizando equipos como amplificadores de transistores, amplificadores de válvulas y grabadoras de cinta, el resultado es una distorsión cálida y colorida cuyo efecto sobre el audio puede variar desde apenas audible hasta dominante.

El dulce resultado de los saturadores se debe a los «armónicos» que se añaden a una grabación o sonido digital. Cuando se distorsiona una forma de onda, se altera su respuesta en frecuencia original, lo que permite añadir nuevas capas y texturas que no existían en un principio.
Aunque esto puede tener efectos más extremos e indeseables, es el proceso básico de un saturador.
Al añadir carácter a tus mezclas y grabaciones mediante la introducción de nuevas incoherencias musicales, evitas perder la musicalidad orgánica que de otro modo puede perderse con el proceso digital.
¿Cómo y cuándo debo utilizarlo?
Tengo que decir que los saturadores no son uno de los efectos más obvios en los que uno piensa cuando empieza a pensar (o más bien a soñar) en los VST que quiere añadir a su colección de software de audio digital.
No es que no sean «sexys», es que son un poco impensadas… No sé muy bien por qué, salvo que muchos productores y compositores noveles no parecen saber que existen.
Dicho esto, cada nuevo pedal de «distorsión» es técnicamente una forma de saturación (o viceversa), por lo que la mayoría de los músicos han estado expuestos a ella en algún nivel.
Sin embargo, aunque son relativamente anónimos, los saturadores son simplemente geniales. Sólo hacen que las cosas suenen bien. Su presencia en cada pista, en cada mezcla, en cada grabación, si se utiliza y selecciona con cuidado, es bienvenida. Pueden ser (y a menudo lo son) la pieza que falta en el puzzle, el VST final que convierte tu tema de un borrador acabado en una producción lista para la radio.
Puedo oírte reír ahora mismo. Sí que puedo. No preguntes cómo. ¿De qué se trata? Te parece una idea ridícula ponerle distorsión a un instrumento como una guitarra acústica, o a un solo de violonchelo, ¿no?
Lo admito, puede parecerlo, pero en la práctica, esta afirmación no podría estar más lejos de la realidad. La saturación puede aplicarse literalmente (sí, quiero decir literalmente) a cualquier grabación, instrumentación o mezcla, siempre que se haga con un oído atento y con un propósito.
Esto se aplica a todos los VST mencionados anteriormente, pero es una lección especialmente importante cuando se considera una herramienta tan potente como la saturación, una herramienta que puede conectarse a cualquier cosa y mejorar el sonido de la grabación individual.
Aunque esta pista pueda sonar mejor, corres el riesgo de distraer la atención del solo de voz o guitarra o, paradójicamente, de confundir tu canción final al dar a cada grabación individual un nuevo nivel de claridad.
Nunca tomes una decisión «porque sí». Ten siempre un objetivo cuando hagas cosas como añadir un emulador de cinta. Piensa en lo que quieres conseguir, y si añadiendo un saturador a cada pista consigues ese objetivo, entonces puedes hacer tu agosto.
Y como regalo de despedida de esta sección, voy a incluir un consejo que quizá recuerdes. Estoy seguro de que le alegrará oírlo.
SE SUTIL.
La distorsión de cinta es uno de los efectos de saturación más populares y agradables de oír.
Otros efectos interesantes
No quiero tenerte aquí todo el día (y toda la noche, y toda la semana, etc.) así que no voy a acercarme a una lista exhaustiva de efectos de audio que puedes conseguir para tu DAW/estudio casero.
Dicho esto, mencionaré brevemente otros elementos populares que no son tan esenciales para su mezcla como los cinco grandes ya mencionados, pero que pueden tener un impacto igualmente importante y emocionante.
Analizadores/Medidores: complemento normalmente visual que mide la amplitud de una señal de entrada y la relaciona con una métrica específica, a menudo el espectro de frecuencias. Esto es útil para comparar el equilibrio de tu mezcla con otras del mismo tipo.
Chorus: Aunque el chorus se puede crear usando un delay, hay muchos plugins dedicados a emular este efecto con más maleabilidad. El coro es esencialmente un retardo extremadamente corto y un cambio de tono menor entre un sonido original y una salida.
Filtros: Los filtros no son más que compensaciones de ecualización preautomatizadas, un poco como lo que demostré en la sección de ecualización, pero normalmente en constante movimiento/evolución. El clásico sonido de un motor a reacción al arrancar puede conseguirse con un Autofiltro.
Flangers: Los flangers funcionan de forma muy parecida a los chorus, pero con un tiempo de retardo mucho más corto, lo que provoca más realimentación en las frecuencias altas, dando como resultado un sonido distinto y resonante. El chorus suena más como una ráfaga desafinada – los flangers suenan más como movimiento en el audio.
Phasers: Una vez más se basan en copiar una señal (como los chorus y flangers), pero esta vez sin utilizar un retardo. A continuación, la señal pasa por un filtro que crea una serie de picos y depresiones en el espectro de frecuencias. El sonido es similar al de un flanger, pero con una dinámica aún mayor.
Plugins de panoramización: generalmente permiten automatizar la panoramización de forma creativa, utilizando puertas y umbrales para determinar cuándo y dónde se mueve un sonido en el espectro de audio izquierda-derecha. Algunos plugins de panoramización permiten el «procesamiento 3D» en lugar de los simples 50L y 50R.
Conclusión
Esperamos que ahora tengas una visión general de algunos de los efectos de audio más populares disponibles tanto en tu DAW como en plugins VST de terceros.
La mayoría de estas manipulaciones de audio son emulaciones digitales de equipos antiguos, lo que permite a los músicos aficionados como yo jugar (quizá demasiado) sin tener que vender toda su casa.
El mundo de los efectos de audio y, por extensión, de las mezclas, es tan denso e interminable que resulta imposible aprender todo lo que hay que aprender. Incluso los más grandes experimentan constantemente, descubriendo nuevas formas de explotar las ondas sonoras para complacer a su público.
Pero entonces, si ya lo supiéramos todo, ¿qué sentido tendría?
Buena suerte, y espero verte la próxima vez que estudiemos la estructura atómica de los CD.
Era broma.