Cómo Escribir una Canción: Guía completa para crear tu propia canción (2024)

Una tecnología de la que probablemente hayas oído hablar es MIDI, ya que viene con casi todos los teclados y pianos digitales modernos. Aunque pueda parecer arcaico, es una de las herramientas más poderosas del …

Como sitio web dedicado a los mejores pianos digitales 2024 disponibles, no es de extrañar que seamos grandes defensores de la música digital. Casi todo lo que hacemos hoy en día depende en cierta medida de los ordenadores, y la música no es una excepción.

Una tecnología de la que probablemente hayas oído hablar es MIDI, ya que viene con casi todos los teclados y pianos digitales modernos. Aunque pueda parecer arcaico, es una de las herramientas más poderosas del arsenal de un teclista.

Este es el segundo artículo de nuestra serie sobre los fundamentos de la creación musical con software. Anteriormente, abordamos el temido problema de conectar nuestros teclados y ordenadores. A continuación, te mostramos cómo puedes utilizar pianos de software para disponer de funciones de grabación más flexibles.

Dependiendo de tu nivel de conocimientos tecnológicos, el último artículo era o bien trivialmente fácil o bien una guía útil para el reino digital de la creación musical. En cualquier caso, esperamos que te haya servido como introducción o repaso al mundo del software musical.

Lo que hacemos esta vez:

Terminé el último artículo con una afirmación audaz. Dije que la combinación de instrumentos de software y un DAW era todo lo que necesitaba para crear una pista lista para la radio. Esta vez me propongo demostrarlo, o al menos acercarme a ese objetivo.

El piano es un instrumento de gran belleza sonora, y todos disfrutamos de vez en cuando con una buena pieza de piano solo. Sin embargo, las capacidades de un DAW quedan algo infrautilizadas si sólo lo usamos para grabar pianos.

Hoy vamos a enseñarte cómo arreglar canciones. Más concretamente, esto significa que añadiremos otros instrumentos a nuestras canciones.

Tengo una idea que podría utilizar batería, bajo y guitarra acústica (suponiendo que se acabe la pandemia mundial), podríamos alquilar un estudio y reunir a algunas personas con la experiencia necesaria.

Sin embargo, establezcamos algunas restricciones. ¿Es posible lograr esta disposición idealizada utilizando el montaje mínimo que construimos en la última guía (que ni siquiera tiene micrófono)?

Probablemente no sea sorprendente (ya que de otro modo este artículo no existiría), pero la respuesta es sí.

Nuestras instalaciones

En resumen, estas son las herramientas que tienes a tu disposición después de la última vez:

  • Un teclado MIDI/piano digital: nuestro principal medio de traducir nuestra forma de tocar en datos. Yo uso el Nektar SE49.
  • Un ordenador competente – Hacer cosas en software requiere algo de potencia de nuestra plataforma, pero cualquier sistema construido/lanzado en los últimos 7 años o así debería funcionar bien. Yo personalmente uso mi portátil de producción, un Windows 10 de gama media.
  • Una estación de trabajo de audio digital (DAW): el cerebro principal de la operación. Es el centro que se encarga de la grabación, la edición y la sincronización. Como la última vez, estoy usando la suite Ableton Live 10, pero puedes usar cualquier DAW al que tengas acceso. Ableton Live 10 tiene el periodo de prueba más largo de todos los DAW modernos, así que pruébalo si no estás seguro. Si quieres saber más sobre otros programas de DAW, hemos preparado un

Nos ceñiremos a la misma configuración que la última vez, siendo las herramientas adicionales plugins de software disponibles gratuitamente que ya puedes descargar. Te sugiero que descargues e instales todos estos plugins antes de reiniciar tu DAW, ya que los DAW realizan escaneos cada vez que detectan plugins, lo que puede llevar algún tiempo.

Batería

Steven Slate Drums 5.5 Gratis. Steven Slate Drums es uno de los principales plugins de batería disponibles, y lanzó una versión gratuita en 2018. Es una auténtica ganga, y la batería en sí suena muy bien. Tanto si desea una interpretación ligera como pesada, estos tambores están definitivamente preparados para la radio.

Alternativa: MT Power DrumKit 2. Si hay un inconveniente en SSD 5.5 Free, es el gran número de muestras. Si utilizas un sistema antiguo, puede que la pérdida de rendimiento no merezca la pena, a pesar de la calidad del sonido.

MT Power Drumkit fue mi plugin de batería gratuito de referencia durante años antes de que SSD se convirtiera en gratuito, y aún sigue vigente, especialmente si quieres una batería de estilo rock moderno.

Bajo

AmplioSonido Amplio Bajo P Lite. Muchos plugins de bajo son terriblemente irreales. Un bajo de verdad sólo tiene 4 cuerdas, y aunque lo intentes, no puedes tocar las notas de la misma cuerda al mismo tiempo.

La mayoría de los plugins de bajo basados en muestras ignoran las limitaciones de un bajo real y acaban fallando. Ample Bass P Lite utiliza una programación inteligente para remediarlo, y por lo demás suena muy bien. Incluso si necesitas slap bass o notas fantasma.

Guitarra

AmpleSound Ample Guitar M Lite. Al igual que en el caso del bajo realista, las guitarras son difíciles de tocar en el piano, e incluso los teclistas más hábiles no pueden reproducir correctamente el rasgueo.

AGML, al igual que su hermano pequeño, ABPL, realiza un seguimiento de las notas que tocas y se asegura de que todo sea humanamente posible. También tiene un buen secuenciador de scratch, que suena tan realista que he podido usarlo en jingles comerciales.

Cuerdas

Laboratorios Spitfire Audio. Labs es un plugin que hace mucho más que cadenas, pero sin duda es una de las mejores librerías de cadenas gratuitas disponibles en el mercado.

Obtienes cuerdas legato bien muestreadas que suenan mejor que la mayoría de las orquestas de cuerda que vienen con los pianos digitales, y puedes ampliarlo aún más con la biblioteca Strings 2, que ofrece diferentes articulaciones como Pizzicato.

Es muy fácil perderse en el ecosistema Labs, así que nos ceñiremos a la biblioteca Strings original.

Sintetizador

Synth1 por Ichiro Toda. Creo que muchas producciones modernas se benefician de algunos sonidos sintéticos sutiles, y Synth1 es uno de los mejores. Si echas un vistazo a la página, pensarás que estoy bromeando. Synth1 es uno de los instrumentos de software más feos, y punto, pero eso no resta mérito a sus capacidades sónicas.

No te preocupes por su intimidante interfaz, utilizaremos preajustes proporcionados por el usuario de KVR Mr. Wobbles.

Los criterios de selección de estos plugins fueron sencillos. Tenían que ser libres y sonar bien. En general, no hay que esperar mucho de lo que no cuesta nada, pero estos plugins son sin duda lo mejor de lo mejor, y los he utilizado todos de una forma u otra para producciones comerciales o demos.

Basta con descargar estos plugins e instalar sus formatos VST en la carpeta VST creada previamente en el último tutorial. Si utilizas Logic Pro como DAW, considera la posibilidad de utilizar el formato AAX, ya que los VST no son compatibles.

¿Por qué no recomienda (insertar plugin aquí)?

Aparte del piano, te recomendaría que te fiaras de mis elecciones por ahora. Aquí todos somos pianistas y podemos ser muy exigentes con los sonidos de las teclas. Lo mismo ocurre con el resto de instrumentos virtuales, pero es mejor empezar con opciones sólidas sin preocuparse demasiado por si estos plugins son realmente los mejores.

Los plugins son una profunda madriguera en la que puedes caer fácilmente si eres demasiado curioso. En mis comienzos, pasaba demasiado tiempo probando distintos plugins en lugar de hacer música.

Por si sirve de algo, me gustaría reiterar que mis recomendaciones están definitivamente preparadas para la radio, y las he utilizado todas en producciones comerciales en algún momento de mi carrera musical.

Preparativos previos

Si sigues Ableton, ten en cuenta que trabajaré en la vista horizontal Arrangement, en contraposición a la vista vertical Session que el programa utiliza por defecto. Puede cambiar a esta vista utilizando la tecla «Tab» del teclado. Esto también facilita el seguimiento a otros usuarios de DAW.

Ahora que ya hemos seleccionado nuestros instrumentos, vamos a configurar nuestro entorno de producción. Este apartado puede parecer tedioso y feo, pero hacerlo con antelación nos ahorrará sin duda tiempo en el futuro.

También aprovecharemos la ocasión para resolver problemas comunes.

Como la última vez, utilizaremos una estación de trabajo de audio digital para hacer el trabajo pesado. Trabajamos con Ableton Live, pero puedes utilizar cualquier DAW moderno.

Los mismos principios se aplican independientemente de la aplicación, y usted podrá aplicar las habilidades aprendidas aquí a cualquier situación.

La última vez nos limitamos a utilizar nuestro DAW, y funcionó bastante bien para la grabación sencilla de piano y la edición MIDI. Sin embargo, podemos suavizar la experiencia introduciendo algunos cambios y actuando con la debida diligencia.

En primer lugar, consigamos el controlador de audio y el tamaño de búfer adecuados. El sistema macOS de Apple tiende a manejar esto muy bien por defecto, así que puedes ignorarlo por ahora.

Si eres usuario de Windows, te recomiendo encarecidamente que utilices los controladores ASIO, que resuelven muchos de los problemas asociados a los controladores de audio DirectX, como la latencia.

Para usuarios de Windows

Si utiliza un sistema antiguo, es posible que haya experimentado problemas de latencia en el último artículo. En realidad, no es culpa tuya, ya que los controladores de audio DirectX de Microsoft no son ideales para la creación musical.

La mayoría de los fabricantes de música para Windows utilizan un tipo diferente de controlador de audio, llamado ASIO, que evita el problema omitiendo el procesamiento de audio de la placa base.

El protocolo ASIO suele venir con las interfaces de audio externas, pero podemos emularlo virtualmente (con todas las ventajas de rendimiento) descargando ASIO4All. Se trata de un controlador de audio de código abierto que sólo entra en juego al utilizar software de grabación o programas de creación musical.

Como trabajamos con varios instrumentos, diría que su instalación es obligatoria. Siéntete libre de omitirlo si ya tienes una interfaz de audio externa.

En cualquier caso, una vez instalado ASIO4All, basta con ir a la configuración de audio del software y seleccionarlo como controlador de audio.

Configuración del tamaño del búfer

Tal vez recuerdes que en el último artículo hablamos del tamaño del búfer. Básicamente, los búferes de muestreo más pequeños son más eficientes a la hora de reducir la latencia, pero también consumen más CPU.

Prueba a reducir el tamaño del búfer a 128 muestras y comprueba si tu ordenador puede soportarlo. Para ello, haga clic en «Configuración de hardware» en la sección Audio de la ventana Preferencias.

La mayoría de los sistemas no tendrán problemas al principio, pero si empiezas a oír problemas en las últimas partes de esta guía, no dudes en subirlo a 256 muestras. El cambio de estos valores sobre la marcha no afecta a la latencia en absoluto, gracias a los relojes de sincronización integrados en las DAW.

A continuación, vamos a intentar ajustar la interfaz de usuario. Puede que estés contento con el aspecto predeterminado de tu DAW, pero yo soy de la opinión de que no todo vale, y cambiar cosas como el tamaño de la letra y la combinación de colores puede ayudar a que la experiencia sea más agradable.

Configuración de la interfaz de usuario

Esto es algo que siempre hago con el software. A menudo, el aspecto predeterminado del programa no se ajusta perfectamente a sus preferencias.

Esto es especialmente evidente si se utiliza una pantalla de alta resolución, ya que el texto es tan diminuto que apenas es legible.

También me gusta utilizar el modo oscuro. Si pasas mucho tiempo delante de la pantalla del ordenador, un tema oscuro es más agradable a la vista.

Afortunadamente, Ableton Live incluye estas opciones de personalización. Son accesibles a través de la misma pestaña Preferencias, en Aspecto/Feel. Mis ajustes personales se muestran arriba, pero siéntete libre de jugar con los controles deslizantes hasta que las cosas se adapten a ti.

Por último, comprobemos que nuestros plugins VST están correctamente instalados. Todos los DAW buscan nuevos plugins al arrancar, así que en teoría todo debería ir bien.

Desafortunadamente, algunos plugins pueden tener una ruta de instalación extraña, o tal vez utilizaste una carpeta de plugin VST personalizada. La forma más sencilla de comprobarlo es cargar el plugin en la estación de trabajo de audio y ver si se carga correctamente.

Problemas habituales con los plugins

Una buena costumbre es comprobar la carpeta de plugins antes de instalar otros nuevos. Puedes hacerlo desde el menú de preferencias de tu programa. Creo que haciendo esto te evitas muchas frustraciones con los plugins.

Ten en cuenta también que los plugins suelen venir en versiones de 32 y 64 bits. La mayoría de los plugins modernos han adoptado el formato de 64 bits, que tiene la ventaja de poder utilizar más de 4 GB de RAM.

Ableton Live 10 ha eliminado por completo la compatibilidad con plugins de 32 bits, pero algunos otros DAW (como Reaper) incluyen funciones de puente que garantizan la compatibilidad.

Por razones de seguridad y estabilidad, opte por plugins de 64 bits. El aumento del rendimiento merece la pena.

Ahora que ya nos hemos quitado de encima la parte más aburrida del proceso, podemos entrar en el meollo de esta guía. Hagamos música.

Paso 1: Escribir una canción

Este paso es probablemente el más largo de todo el proceso, pero es lo que considero el aspecto más importante. Aunque sólo estamos haciendo un breve tutorial sobre las herramientas de arreglo, tener una buena idea ayudará mucho.

Puede que te suene el término «noodling», que se refiere al proceso de tocar ideas al azar, sin ton ni son, sin llegar a recordarlas o perfeccionarlas.

Esto es algo que debes intentar evitar. Aunque tenga una idea muy aproximada, es mejor que empezar de cero. Al fin y al cabo, hasta la más pequeña orientación puede marcar la diferencia.

Para sacar el máximo partido a esta guía, te recomiendo que dediques una hora a aportar ideas. Toca algunos acordes y melodías en el piano y grábalos. Aunque sólo tengas una introducción y una estrofa, es mejor que nada.

Si es posible, intenta pensar en todos los instrumentos que tienes actualmente. Tenemos pianos, baterías, bajos y guitarras. Es una banda completa, así que intenta trabajar con esas limitaciones.

Una vez terminado, podemos empezar a completar la idea.

Para los fines de este tutorial, voy a empezar con una idea relacionada con mi trabajo con mi etiqueta. Quiero escribir una canción pop rock taiwanesa, con un tempo decente de 80 pulsaciones por minuto y un ritmo de fondo pegadizo. También quiero mantener las cosas lo suficientemente claras como para dejar espacio para las voces y la línea vocal.

Es una idea aproximada, pero suficiente para partir de ella.

Saber lo que quiero también significa que puedo ajustar el tempo y el metrónomo para facilitar la grabación. Ten en cuenta que también utilizo una cuenta atrás de un compás para facilitar la grabación.

Puede que notes que utilizo un compás de 8/8. Esto es sólo una preferencia personal, pero me gusta tener un metrónomo más rápido para mantener el ritmo. Siéntete libre de dejar el tuyo en 4/4, o incluso 3/4 si te apetece bailar el vals.

Paso 2: Grabación de la idea fundacional

Como somos pianistas, empezaremos grabando las partes de piano. Si no estás seguro de por dónde empezar, puedes consultar elartículo anterior de esta serie, en el que te explicamos los aspectos básicos de la grabación de pianos por software.

En resumen, cargamos nuestro plugin de piano, activamos el metrónomo y armamos la pista de piano para la grabación. Entonces sólo tenemos que pulsar el botón de grabación y seguir el juego. Recuerda que vamos a añadir batería y bajo a esta canción, así que es mejor tocar con ritmo en la medida de lo posible.

Asignación de teclas: Para mayor comodidad, también asigno la tecla «R» del teclado de mi ordenador al botón de grabación. Esto me permite grabar diferentes tomas sin necesidad de utilizar el ratón, lo que me ahorra tiempo.

Personalmente, he hecho varias tomas antes de conseguir una con la que estoy contento, así que no tengas miedo de recopilar varias tomas.

Por ejemplo, puedes ver que usé tomas separadas para la introducción y la estrofa. Puede que lo consideres hacer trampas, pero mi postura es que mi responsabilidad es escribir buenas canciones, no conseguir que cada toma sea perfecta.

Composición: En su forma más básica, la composición consiste en tomar diferentes tomas y unirlas. Esta técnica se utiliza sobre todo en interpretaciones vocales, a veces de forma tan radical como utilizar diferentes tomas para cada sílaba de la palabra. Hay formas muy detalladas de hacerlo en otros DAWs, pero la funcionalidad de comping de Ableton Live está por detrás de la competencia.

Cabe señalar que probablemente volveremos a grabar estas partes más adelante. Esta es solo la idea básica sobre la que nos basaremos, no la parte final de piano. Si quieres aplicar algunas de las técnicas de edición MIDI que hemos comentado anteriormente, no dudes en hacerlo.

Edición MIDI: Los cambios más comunes son los de velocidad y tiempo de las notas, que pueden hacerse fácilmente arrastrando el ratón. La mejor forma de familiarizarse con las herramientas disponibles es jugar con los parámetros y pulsar el botón de reproducción para escuchar los cambios.

Recuerda que Ctrl/Cmd Z es el atajo para deshacer y a menudo puede salvarte de una edición que ha salido mal.

La cuantización es una de las herramientas más útiles de que disponen los usuarios de DAW. Intenta alinear automáticamente las notas con la cuadrícula actual, lo que la convierte en una herramienta perfecta para corregir las imprecisiones de sincronización sin cambiar la sensación general al tocar.

Por defecto, las opciones de cuantización son pesadas y alinean todo a la perfección, lo que da una sensación robótica. Sin embargo, podemos reducir la intensidad a alrededor del 30%, lo que da una impresión más precisa, pero no demasiado estéril.

Paso 2.5: Guardar el proyecto

Llegados a este punto, hemos dado el primer paso hacia la realización de nuestra idea. Ahora es el momento de salvar nuestro proyecto.

La mayoría de las DAW modernas son muy estables y rara vez se bloquean, pero aún recuerdo ocasiones en las que perdí horas de trabajo por un fallo eléctrico u otros problemas. Acostúmbrate a guardar con el atajo Ctrl/Cmd S y te ahorrarás muchas frustraciones.

Puedes nombrar el archivo como quieras, pero a mí personalmente me gusta nombrar mis archivos de proyecto con el formato ‘{BPM} – {Descripción de pista}’, sustituyendo las llaves por los detalles pertinentes.

En este caso grabo la canción como ’82 – Pop Rock Draft’.

Esto simplemente añade una capa de organización a las cosas y garantiza que podrás recuperar el archivo del proyecto dentro de unos años sin tener que recurrir a una búsqueda exhaustiva.

Paso 3: Establecer un ritmo

Llegados a este punto, hemos establecido un plan, es hora de empezar a construir sobre los cimientos.

Se podría empezar fácilmente con otros instrumentos, pero yo personalmente prefiero empezar con la batería. He aquí por qué:

  • El ritmo es la clave: es mucho más fácil tocar «en el bolsillo» cuando se tiene un ritmo que seguir.
  • Planificar la energía: Marcar el ritmo de la batería de antemano me permite planificar puntos de interés como los chokes o los fills, y me sirve como recordatorio divertido para seguir tocando.
  • Controla el compás: si tienes formación en música contemporánea, habrás aprendido que es posible manipular el «sentimiento» de una canción modulando entre el compás normal y el doble.

Hay dos formas principales de grabar una batería. Puedes tocarlo con el teclado o utilizar la secuenciación MIDI. Dependiendo de su nivel de interpretación del teclado, puede preferir uno u otro.

Aquí tienes una lista rápida de los mapeados MIDI estándar de batería:

Esta disposición se basa en las especificaciones General MIDI y se utiliza prácticamente en las baterías Steven Slate. También es muy práctico una vez que le coges el truco. La interpretación en directo queda fuera del alcance de esta guía, así que te dejo que aprendas más si lo deseas.

Bombos de teclado: los bombos de teclado presentan una gran variedad de estilos, lo que casualmente también ocurre con los bombos de verdad. La mayoría de la gente elige tocar el bombo, la caja y los tambores con la mano izquierda. Esto deja la mano derecha disponible para todos los platillos.

Esta es una breve explicación, y si estás realmente interesado, te recomiendo que leas una explicación más profunda sobre el tema.

No confío lo suficiente en mi capacidad para tocar la batería con el teclado, así que trabajaré con secuenciación MIDI. También es más fácil de usar si no estás muy familiarizado con los conceptos de la batería.

Secuenciación MIDI: Lo mencionamos brevemente la última vez, pero la secuenciación MIDI se refiere simplemente al proceso de poner notas con un ratón, en lugar de grabar MIDI. Esto es muy útil para las pistas de batería, ya que no queremos demasiada deriva rítmica, si es que hay alguna.

El núcleo de un ritmo de batería son el bombo y la caja. Por ahora, nos concentraremos en las teclas C1 (Kick) y D1 (Snare).

Empezaremos creando una nueva pista MIDI y cargando el plugin Steven Slate Drums. A continuación, carga el kit de batería disponible haciendo clic en el kit Deluxe 2 Free Edition.

He cambiado el nombre de la pista de piano a «Piano» y he llamado a esta nueva pista MIDI «Drums». Intento mantener las cosas organizadas en la medida de lo posible. Este es otro pequeño hábito útil que funciona muy bien.

A continuación, insertamos un clip MIDI de 8 compases alrededor de nuestra parte de piano.

Para ello, basta con resaltar el área donde queremos colocar nuestra batería, hacer clic con el botón derecho y seleccionar la opción «Insertar pista MIDI». Esto nos da un clip MIDI vacío, en el que podemos hacer doble clic para empezar a editar.

Empecemos creando un sencillo bucle de batería «4 en el suelo». El bombo golpea en cada tiempo, y la caja golpea cada dos tiempos. Recuerda que puedes utilizar Ctrl/Cmd C y Ctrl/Cmd V para copiar y pegar, lo que te ahorrará tiempo.

De momento suena un poco soso, y eso es porque no usamos platillos. Añadamos el «pulso» principal con hi-hats cerrados a doble tiempo. Fíjate en que añado de vez en cuando hi-hats abiertos y también utilizo diferentes niveles de velocidad para añadir variación.

Gracias a nuestras excelentes muestras de batería, el ritmo ya tiene un aspecto cuidado. Sin embargo, es un poco repetitivo. Movamos las notas en el 4º compás para añadir alguna variación.

También añadiremos un platillo crash en los primeros tiempos del primer compás. Son rellenos muy sencillos, pero hacen que nuestra batería programada suene un poco más humana.

Como quiero un estilo rockero, quiero un ritmo más fuerte, pero también quiero que se introduzca gradualmente. Tampoco soy muy fan del ritmo de cuatro tiempos, así que he hecho algunos cambios radicales aquí y allá, para que suene mucho más rockero.

Este es el aspecto y el sonido de mi clip MIDI final.

  1. A muchos bateristas les gusta utilizar simultáneamente los platillos crash izquierdo y derecho, así que vamos a hacer lo mismo. Ten en cuenta que también he cambiado el MIDI de los platillos crash para que no golpeen todos exactamente al mismo tiempo.
  2. Los tonos más oscuros indican que estas notas de caja tienen una velocidad más baja. Son notas fantasma, que permiten al baterista girar el ritmo con la mano izquierda libre.
  3. Estas notas rápidas de la caja son lo que los bateristas llaman «flams». Esto no suena muy realista, ya que las llamas reales rara vez siguen perfectamente el ritmo, pero en el contexto de la canción, funciona.
  4. Nadie dijo que los crashes sólo pueden ocurrir en el primer tiempo, así que añadamos un poco de impacto a nuestros snares en el beat de vez en cuando.
  5. En ese momento me alejé de los hi-hats abiertos y pasé a los platillos ride. Las notas ocasionales de doble tiempo están inspiradas en los bateristas de jazz y son una forma estupenda de añadir groove al ritmo.

Notas fantasmales: Esta es probablemente la mayor diferencia entre nuestro ritmo básico y el ritmo final. Añado algunos golpes de caja a baja velocidad para mantener el ritmo, incluso fuera de los downbeats.

Espero que el clip destaque también la forma en que utilizo la batería para planificar algunos «puntos de interés». Al final de los primeros 4 compases añado algunos elementos de «lead in», en los que mi batería hace algunos recorridos de platillos antes de entrar con fuerza. Es una idea que estaba en mi proyecto original de piano y, gracias a la batería, la estoy haciendo realidad.

Un baterista de verdad probablemente tendría algunos comentarios que hacer, pero creo que es suficiente por ahora. Sigamos con la siguiente parte de la columna vertebral de una canción, el bajo.

Paso 4: Añadir el extremo inferior

A menudo se considera que el bajo es la columna vertebral de la música, y personalmente estoy de acuerdo. La lubina es muy difícil de conseguir, pero el esfuerzo que supone puede marcar la diferencia.

De nuevo, los pianistas competentes pueden salirse fácilmente con la suya tocando las partes de bajo en directo, pero me gustaría aprovechar esta oportunidad para guiarte a través de la secuenciación MIDI melódica.

En la sección anterior utilizamos la edición MIDI para dibujar nuestros patrones de batería, y yo diría que los resultados hablan por sí solos. Intentemos reproducir ese proceso aquí. Comienza creando una nueva pista MIDI y carga el plugin ABPL.

ABPL tiene muchas funciones, pero su forma de tocar legato fingerstyle por defecto es exactamente lo que queremos. Si quieres utilizar sonidos de bajo staccato o slap, pasa el ratón por encima del teclado en pantalla de la interfaz del complemento para obtener más información.

Primero, empecemos con una línea de bajo sencilla que siga nuestros acordes. Por ahora nos ceñiremos a lo más básico y nos limitaremos a utilizar las notas fundamentales.

He dejado el MIDI de mi piano original como notas en gris para referencia. Puedes desactivar las notas pulsando la tecla Numpad 0 si quieres hacer lo mismo.

Si te da pereza, puedes copiar el MIDI de la pista de piano y eliminar las notas superiores, pero no te lo recomiendo. ¿Recuerdas que dijimos que el ritmo es la clave y que lo utilizamos para justificar el uso de baterías secuenciadas?

Pues aquí ocurre lo mismo. La batería no es el único aspecto del ritmo, el bajo es otro protagonista importante.

Aunque decidas trabajar con la copia, intenta utilizar una cuantización más pesada para mantener la solidez del pulso rítmico. Esto es lo que tenemos hasta ahora.

Hasta ahora suena bien, pero está un poco apagado. Recuerda que el bajo forma parte principalmente de la sección rítmica. Así que tendremos que trabajar con la batería, en lugar de limitarnos a seguir los acordes.

Una regla sencilla es seguir el bombo. Esto proporciona un pulso rítmico muy sólido, y en la mayoría de los casos es suficiente. También puedes probar a cortar las notas de la caja en ritmo, antes de volver a traerlas en el siguiente bombo (esto es algo que seguí muy vagamente en esta canción).

Me doy cuenta de que mi batería original es un poco agitada, pero utilizando estas sencillas reglas obtenemos algo así.

Esta vez he dejado el MIDI del bombo y la caja como referencia. Ya sé qué acordes son, así que el MIDI de piano no es tan necesario.

Pero es un poco aburrido, y ningún músico de verdad se detendrá ahí. Intentemos animar las cosas. Ya te habrás dado cuenta de que he dejado mi canción bastante escasa.

Intentemos rellenar estos huecos con algunos bajos.

La mayoría de los teclistas contemporáneos probablemente sepan mucho más sobre la teoría de la composición de partes de bajo, pero yo me ceñiré a reglas sencillas.

Nos ceñiremos a las escalas e intentaremos movernos entre los acordes de diferentes maneras. Para ello, se acortan las notas en puntos estratégicos y se rellenan los espacios en blanco.

Hemos hecho nuestro pulso rítmico mucho más interesante, y me atrevería a decir que más humano.

Para ser sincero, a menudo dejo las partes de bajo a los músicos de sesión. Hay algo mágico en el trabajo de un bajista experimentado que lo lleva al siguiente nivel. Podríamos intentar emular esto en MIDI utilizando deslizamientos y martillazos, pero creo que por ahora será suficiente.

También puedes silenciar las pistas anteriores o simplemente reducir su volumen. En Ableton, son los controles de pista situados en el extremo derecho del Arrangement Display, justo al lado del botón «Start Recording».

Estos controles son extremadamente útiles, así que acostúmbrate a utilizarlos.

Paso 5: Añadir una guitarra rasgueada

Al igual que los bajos, las guitarras pueden tocarse de múltiples maneras. Se podían tocar notas, utilizando esencialmente la guitarra como un piano cuya polifonía está limitada a 6 notas. Sin embargo, lo que busco esta vez es la técnica de rasgueo.

El rasgueo es algo casi imposible de emular con teclados, y a menudo tendrás que recurrir a un músico de sesión o a un paquete de muestras si quieres conseguir el efecto deseado. Sin embargo, AGML es uno de los pocos plugins que facilita la programación de partes de rasgueo.

Bueno, fácil es quedarse corto. Requiere un poco de preparación y comprensión, pero los resultados merecen la pena.

Una vez más, carguemos una nueva pista MIDI e insertemos AGML en ella. La interfaz es muy similar a la de ABPL, así que no dudes en explorarla si quieres personalizar los sonidos de tu guitarra con más detalle.

La interfaz utiliza por defecto un modo de reproducción basado en notas, pero podemos cambiar al modo de scratch de acordes, que requiere un poco de trabajo preparatorio.

En primer lugar, activemos el modo de edición de rasgueo haciendo clic en el botón correspondiente. Aparece una interfaz que parece muy compleja. En realidad, la dificultad para entender esta página depende de tu nivel de dominio de la guitarra.

  1. El diseñador de formas de acordes. Si eres guitarrista, puedes colocar «dedos» virtuales en tus posiciones ideales en el mástil. Si no es así, no pierda la esperanza, porque hay…
  2. El selector de acordes. Tienes 24 ranuras con las que trabajar (13-24 accesibles con el botón 2 de la parte inferior derecha). Comience seleccionando la raíz del acorde (Do) y, a continuación, el tipo de acorde (menor). Esto evita tener que conocer la digitación de la guitarra, lo que es una ventaja para los compositores.
  3. El patronista. Tienes las típicas brazadas hacia arriba y hacia abajo, así como las variaciones de media brazada. También hay cuerdas individuales, ahogos y notas fantasma, pero he simplificado las cosas utilizando los 3 golpes principales.

Como ya hemos establecido nuestros acordes en la fase de boceto, podemos añadir nuestros acordes a la lista inmediatamente. Por ahora, me atengo a mis ideas iniciales de acordes, utilizando principalmente acordes mayores y menores, con un 7 dominante y acordes disminuidos para los pasajes.

Si te apetece, también puedes añadir inversiones especiales o versiones aumentadas de tus acordes, por ejemplo añadiendo 7 y 9. Esto añade algo de interés armónico a la mezcla, pero por ahora mantendremos las cosas sencillas.

La ventaja de utilizar la secuenciación basada en MIDI es que podemos cambiar fácilmente nuestros acordes en el futuro simplemente pulsando unos botones.

Si la edición del rasgueo te resulta confusa, te sugiero que veas algunos vídeos de guitarristas acústicos rasgueando para hacerte una idea. Dedicar algún tiempo a recrear patrones de rasgueo reales puede ayudarte a familiarizarte con este complemento.

Para escuchar tu patrón de scratch secuenciado, puedes hacer clic en el botón de reproducción para escuchar tus cambios. Ten en cuenta que también se sincroniza con tu tempo, una de las maravillas de la integración del software musical moderno.

Para empezar, vamos a utilizar el patrón por defecto proporcionado por AGML. Este es un patrón muy básico, pero suena bien una vez que lo arreglamos con nuestra canción. He asignado los acordes 1-5 como los acordes utilizados en mi canción.

Me doy cuenta de que el Do# mayor se repite en las casillas 2 y 5, pero tengo la intención de añadir una inversión diferente para el último compás más adelante. Tengo suerte de que mi idea de canción sólo tenga 4 acordes.

A continuación, activamos el interruptor izquierdo para poner el plugin en modo rasgueo.

…y reproducir los patrones de acordes correspondientes a través de MIDI. Consulta el teclado del plugin para ver por qué toco estas notas concretas.

Esencialmente, las notas más bajas cambian los acordes. La nota superior elige qué patrón de rasgueo tocar. En este caso, estoy utilizando un único patrón, por lo que las cosas suenan perfectamente.

Yo diría que suena bien, pero hay algunos problemas. El patrón sencillo queda sorprendentemente bien, pero no queda tan bien una vez que apago la batería. De hecho, no sigue los ritmos que habíamos planificado meticulosamente de antemano. Personalmente, creo que el mayor problema es que la dinámica de la guitarra es completamente errónea.

El primer problema es bastante fácil de resolver. Cambiemos el patrón personalizándolo. Esto es muy peliagudo, y admito que estuve muy tentado de hacer «trampa» cogiendo mi guitarra acústica y grabándolo, pero vamos a quedarnos con eso. Tampoco tenemos por qué limitarnos a un único patrón de rascado.

El uso de diferentes tonos nos permite añadir variaciones y llamarles la atención si es necesario. Utilizo algunas otras ubicaciones de patrones para obtener alguna variación, en particular para nuestras dos secciones de relleno.

Ahora utilizo tres patrones en lugar de uno, y el sonido se acerca un poco más a lo que pretendía en un principio.

Añadamos el piano y bajemos ligeramente el volumen.

Es una gran mejora, pero hemos tenido que dedicarle mucho tiempo. Probablemente podría hacer algunos cambios más para que suene aún más realista, pero creo que es lo suficientemente bueno como está. La guitarra no es el instrumento principal de la canción y, con un poco de equilibrio de sonido y mezcla, encajará perfectamente.

Aunque podría haber puesto un micro en mi guitarra y hacer lo mismo sin tener que preocuparme de la secuenciación, es bueno saber que existen plugins como éste para la gente que no tiene o no sabe tocar una guitarra.

Si todo lo que necesitas son guitarras basadas en notas, ya estás listo. Tocando cualquier tecla de tu teclado se disparará una nota en la guitarra virtual, y verás que el plugin intenta forzar tus notas dentro de los límites de una guitarra real.

Por ejemplo, si tocas una nota en la misma cuerda, la nota anterior se cortará automáticamente, ya sea mediante un deslizamiento o un martilleo, dependiendo de la forma actual de los otros dedos virtuales.

Como guitarrista, estoy muy impresionado y sorprendido de que las mismas técnicas de preprocesamiento no se estén aplicando ya en los teclados y estaciones de trabajo de gama alta.

(Esto también explica por qué soy demasiado duro cuando califico las muestras de guitarra incorporadas, en serio, un plugin gratuito puede hacerlo, así que por qué las grandes marcas no pueden hacer algo similar).

Paso 6: Añadir cuerdas orquestales

Nuestra canción ya suena bastante completa, pero le falta algo. La mayoría de las veces se trata de añadir un elemento musical sostenido, como cuerdas en legato, a nuestra canción.

Afortunadamente, estos instrumentos se basan en la clave. Esto significa que no tienes que aprender ninguna técnica extraña para obtener un sonido satisfactorio de tus plugins.

Como siempre, empezamos añadiendo una pista MIDI y cargando el plugin LABS de Spitfire Audio. No olvides cargar también la biblioteca de cadenas en el menú desplegable.

Ahora puedes tocar de forma natural en tu canción, y te sugiero que lo hagas así para empezar. Es importante familiarizarse con la biblioteca de cuerdas que se utiliza y comprender los matices de cómo la velocidad afecta al ataque y la liberación de las muestras.

Si esta última frase no tiene sentido, no se preocupe demasiado. El ataque se refiere esencialmente al tiempo que tarda una muestra en alcanzar su volumen máximo. Un ataque alto confiere a un sonido una calidad hinchada, mientras que un ataque bajo da a los sonidos un efecto directo y contundente.

Mientras tanto, la liberación se refiere al tiempo que tarda una muestra en apagarse después de que se hayan liberado sus teclas.

No olvides probar y jugar con tu mando. En el caso de LABS, controla el volumen de las cuerdas. En algunas otras bibliotecas de cuerdas, puede ofrecerte un control manual del vibrato.

Personalmente, mi proceso de producción de cuerdas es el siguiente.

  • Empieza grabando un juego MIDI en directo para coger ideas.
  • Utiliza cuantización pesada y edición manual para limpiar la grabación.
  • Haz alguna secuencia MIDI para añadir interés.
  • Cambia manualmente la velocidad MIDI y la rueda de modulación para añadir realismo.

Es un bonito bucle de experimentación y mejora iterativa de las cosas, que parece ser una forma eficaz de trabajar. He visto a profesionales hacer tomas únicas en directo, pero yo aún no estoy a ese nivel.

Yo utilizo algunos acordes básicos con 7s y 9s, y diría que suena bien.

Hago todo lo posible por mantener constante el número máximo de notas que suenan a la vez en cada bloque. Un cuarteto de cuerda o una orquesta no pueden añadir nuevos músicos sobre la marcha, por lo que imponer esta limitación ayuda a mantener una sensación de coherencia.

Si tuviera que hacer una crítica, sería que las cuerdas suenan un poco a última hora. No hay un verdadero «desarrollo» a lo largo de la canción.

Ahora intentaré añadir algunas ediciones manuales para acentuar las notas de paso y rellenar algunos huecos de la canción. MIDI parece ahora un poco más complejo, pero personalmente creo que los resultados merecen la pena.

Aparte de eso, también utilicé el editor MIDI para añadir algo de modulación modwheel. Puedes acceder a él a través de este pequeño símbolo bajo el editor MIDI, y seleccionando el correspondiente MIDI CC a modificar.

Habrás notado que «Mantener Pedal» y «Pitch Bend» también son opciones. Pruebe a utilizarlos si lo desea.

Mi idea tiene un outro simple con sólo el piano, por lo que tener una rueda de modulación descendente hace que las cuerdas se desvanezcan gradualmente.

En este punto, creo que nuestra canción está lista para ser exportada. Luego se lo enviaba a un cantante o letrista para que le pusiera voz. Sin embargo, aún no ha llegado.

Aparte del problema obvio de la falta de mezcla, tampoco suena «especial». Sin duda es «bueno», pero deberíamos intentar que fuera «interesante».

Si ya estás contento con lo que tienes, no dudes en pasar al siguiente paso. Sin embargo, creo que saber utilizar sintetizadores es una habilidad muy valiosa.

Paso 7: Añadir sintetizadores electrónicos

Una de las cosas que más me gusta de hacer música en un ordenador es la enorme variedad de sonidos disponibles. Los sintetizadores analógicos físicos son extremadamente caros, y probablemente estén fuera del alcance del gran público. Afortunadamente para nosotros, los sintetizadores de software existen, y son muchos.

Los sintetizadores son uno de mis instrumentos musicales favoritos, y eso se debe al enorme grado de personalización que se puede hacer.

La mayoría de los sintetizadores te dejan al descubierto casi todos los aspectos del motor de sonido, y este grado de control es realmente liberador.

Los pasos necesarios para el funcionamiento de un sintetizador van mucho más allá del alcance de este artículo, pero no es necesario que entiendas lo que hacen todos los botones.

Utilizaremos simplemente algunos de los preajustes, pero aplicaremos algunos cambios para que los sonidos se adapten mejor a nuestra canción.

Trataremos dos tipos principales de sonidos de sintetizador: los pads y los arpegiadores. No olvides que también puedes utilizar sintetizadores como bajos, leads o incluso como generador de efectos de sonido.

En primer lugar, vamos a intentar utilizar un sonido de pad en lugar de nuestras cuerdas.

Como de costumbre, empezaremos cargando una nueva pista MIDI y el plugin Synth1. Esta vez también silenciaremos la pista de cuerdas. En Ableton Live, esto se hace pulsando el icono del altavoz en la pista correspondiente.

A continuación, confirmemos que nuestro paquete de preajustes Mr. Wobbles se ha instalado correctamente. Si tienes problemas, prueba a consultar algunas de las respuestas de este mensaje del foro. Básicamente, tienes que hacer clic en el botón «opt» de la interfaz y asignar el paquete de preajustes a un banco libre.

Por desgracia, los preajustes predeterminados de Synth1 no le permiten mostrar sus capacidades. Afortunadamente, el paquete de preajustes que recomendamos incluye un montón de sonidos increíbles que se pueden utilizar nada más sacarlos de la caja.

A continuación, podemos cargar el banco haciendo clic en la pantalla de texto más baja. En mi caso, el paquete de preajustes está asignado al banco 00. Al hacer clic en él también se muestran los 128 sonidos incluidos, etiquetados por tipo.

Ya que estamos mirando específicamente los pads, vamos a elegir el preset #75, el PAD Euphoni. Esta es una gran almohadilla con un poco de movimiento sutil y ancho. A continuación, podemos grabar o secuenciar las partes del pad que queramos.

Personalmente, simplemente copié el MIDI de mi pista de cuerdas y lo subí una octava. Como mi arreglo de cuerdas es bastante sencillo, encaja perfectamente. ¿Recuerdas la modulación modwheel que añadí? También afecta al movimiento del filtro sintetizador.

Suena bastante bien, pero echo de menos la riqueza directa de las cuerdas. Afortunadamente, no tenemos que elegir entre uno y otro. Podemos superponer los dos sonidos y reproducirlos simultáneamente.

Para que el pad suene mejor con las cuerdas, voy a hacer algunos cambios. Siento que el sintetizador tarda un poco demasiado en apagarse, así que bajé la retroalimentación de liberación y retardo del amplificador. También tarda demasiado en abrirse, así que he bajado ligeramente el ataque del filtro.

  1. La envolvente del amplificador que afecta al volumen del sonido a lo largo del tiempo. Modifiqué los mandos Attack (A) y Release (R) para adaptarlos a mi canción.
  2. La envolvente del filtro que afecta al brillo del sonido a lo largo del tiempo. De nuevo, he modificado el Ataque (A) y la Liberación (R). Siéntete libre de jugar también con la frecuencia y la resonancia.
  3. Unidad de retardo incorporada. Bajé los controles Dry/Wet y Feedback para hacerlo más sutil.

Siéntete libre de editar los botones para ver lo que hacen. Estos son los ajustes que utilicé para el siguiente clip de audio.

También opté por eliminar la nota MIDI más baja del pad y la modulación modwheel. Esto elimina parte del movimiento de baja frecuencia no deseado, que no creo que se adapte a la idea de mi canción.

Creo que los sintetizadores son muy buenos para mejorar los sonidos existentes de esta forma, porque son tan extraños que puedes recortar las partes que no te gustan.

También apliqué un ecualizador de corte de graves para eliminar parte del estruendo de las frecuencias bajas, pero más sobre esto en el último artículo de esta serie, dedicado a la mezcla.

Por último, vamos a añadir un bonito arpegiador a nuestros rellenos. En realidad no quiero que este sonido sea una presencia constante a lo largo de la canción, sólo quiero que conduzca a la segunda mitad de nuestra sección instrumental principal. Piense en ello como un sutil «caramelo para los oídos», que puede añadir algo de memorabilidad.

Carga tu última pista MIDI nueva del día y añade una nueva instancia de Synth1.

En lugar de utilizar uno de los preajustes de arpegiador incluidos (etiquetados como ARP), modificaré uno de los preajustes de plomo. He elegido trabajar con el preajuste 28, LD Lunar. Este es un gran sonido principal, pero también podemos utilizarlo como arpegiador con algunas modificaciones.

Estos son los ajustes modificados que he utilizado. Puede que notes que hay una pequeña unidad de reverberación junto al plugin, y esta es la unidad de reverberación de Ableton, que también puedes añadir en la sección de efectos de audio.

Como la última vez, reduciremos la liberación del amplificador, lo que reduce la cola de nuestro sonido de sintetizador. Podemos añadir reverberación la próxima vez.

En lugar de utilizar el arpegiador incorporado, personalmente prefiero escribir mis propias líneas de arpegio para tocar. He añadido esta pista MIDI al final de nuestra sección de introducción.

Personalmente, creo que añade un toque lúdico a la transición. Incluso podría decirse que es bonito. Sin embargo, es, al menos en mi opinión, algo que suena un poco más memorable.

Paso 8: Ultimar los detalles

Siempre es divertido mirar atrás y ver cómo construimos nuestra idea, pieza a pieza. Hemos recorrido un largo camino desde nuestro anodino punto de partida, e incluso después de años de arreglos, me sigue sorprendiendo cómo podemos convertir una simple idea en algo que suena tan completo.

Naturalmente, he seleccionado puntos de venta e ideas para utilizarlas en esta guía. Probablemente se haya encontrado insatisfecho con algunas de las cosas que ha hecho hasta ahora. Apuesto a que algunos de los que habéis seguido la guía habéis vuelto atrás y habéis regrabado o cambiado algunas partes.

Esto es bastante normal y, de hecho, lo recomiendo encarecidamente. Si tienes la costumbre de hacer copias de seguridad incrementales o control de versiones, también tendrás puntos de control fáciles de leer.

Una vez que estés satisfecho con tu canción, puedes exportarla como archivo WAV o MP3 (dependiendo de lo que admita o no tu DAW).

En Ableton Live, puedes exportar un archivo MP3 al mismo tiempo que el archivo WAV activando la opción «Encode MP3».

Paso 9: Volver

Yo no me apresuraría a subir la canción a YouTube, ni siquiera a compartirla con tus amigos. Personalmente, me gusta dejar que una canción se «cocine a fuego lento» durante uno o dos días, antes de volver a ella para solucionar cualquier problema que se me haya pasado en el apuro inicial.

Trabajar en una canción durante horas sin interrupción conduce inevitablemente a la fatiga auditiva, que hace que los humanos tomen decisiones no deseadas. Esto se puede mitigar un poco con la experiencia, pero he cometido suficientes errores en mi vida como para saber que no se puede confiar en mí.

Conclusiones

Espero que este artículo te haya ayudado a comprender mejor el proceso de creación de arreglos. Espero haberte transmitido el mismo momento mágico que tuve yo cuando me di cuenta por primera vez de que no necesitaba un estudio ni músicos de sesión para hacer música de calidad profesional.

Esta no es una guía completa, por lo que algunas partes pueden parecer un poco vagas. En su lugar, he intentado darte los pasos esenciales y contarte algunos consejos y trucos que he aprendido a lo largo de los años.

También espero que funcione el formato de incluir fragmentos de sonido. La música es un medio sonoro, y describir simplemente por qué hice ciertas cosas puede no ser suficiente para transmitir el mensaje. De este modo, recibirás información directa sobre por qué he decidido hacer las cosas de una determinada manera.

Puede que incluso no estés de acuerdo con algunas de mis decisiones. Es lo que hago siempre. La mayoría de las veces, el arreglo final que se envía al cliente o al cantante no contiene ni una sola pista del borrador del primer día.

¿Cuál es el siguiente paso?

Hasta ahora hemos simplificado mucho las cosas. Aparte de nuestro ordenador y un teclado MIDI, tenemos muy poco equipo.

Si quieres grabar instrumentos reales o voces, como las partes de bajo y guitarra antes mencionadas, tendrás que empezar a construir un estudio, lo que naturalmente es difícil si tienes un presupuesto limitado.

Afortunadamente, hemos escrito una serie de artículos sobre los requisitos de hardware y software de un productor musical moderno. Este artículo ofrece una visión general del equipo que puedes necesitar y es una buena lectura en general si quieres empezar.

Tampoco hemos hablado mucho de los plugins VST, optando por centrarnos sólo en algunas opciones gratuitas.

Si eres un pianista interesado en componer o arreglar, te debes a ti mismo leer mi artículo. Presenta los principales VST de piano del mercado y explica por qué se encuentran entre los plugins más populares.

Por último, cabe señalar que nuestras canciones aún no están realmente acabadas (y no, no se trata de una reflexión filosófica sobre la cita de Vinci «El arte nunca está acabado»).

Aún tenemos que aplicar algunas mezclas para que nuestras canciones suenen bien. Hasta ahora, el contenido musical es bueno, pero los sonidos no parecen coherentes.

A veces me parece que las canciones sin mezclar (o mal mezcladas) dan la impresión de que los distintos instrumentos están grabados en entornos diferentes, lo que acaba por desvirtuar la experiencia auditiva.

En la última parte de nuestra guía para crear música con software, hablaremos del proceso de mezcla y te mostraremos cómo llevar tu canción al siguiente nivel.

Si le interesa, permanezca atento.

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